Matter 2930, ton solo. Ça sonnerait presque comme le titre d’une fiction d’anticipation, non ?
J’aime beaucoup cette idée, je suis une grande fan de Fantasy et de SF, ce n’est sans doute donc pas pas hasard que ce titre additionne des chiffres et un mot, et sonne futuriste.

Quel est son sens réel ?
Matter, c’est la matière en anglais, et pour moi, un champs de recherche très important en musique, notamment en ce qui concerne le saxophone. 29 et 30, ce sont les numéros atomiques du zinc et du cuivre, métaux qui composent l’alliage dans lequel est fait le saxophone.

Comment switches-tu de ta formation classique initiale à l’étude du jazz ensuite ?
Par des rencontres, notamment de certains professeurs importants. J’ai commencé mon apprentissage dans une école de musique municipale, en périphérie lyonnaise. Damien Gomez, un ancien élève, devenu professeur, m’a permis d’explorer l’improvisation et le répertoire jazz. Arrivée ensuite à Toulouse, je me suis orientée sur la fac de Jazz.

Le saxophone, ton premier choix d’instrument ?
Oui, même s’il y a peu de littérature classique sur cet instrument, plutôt récent dans l’histoire de la musique. Berlioz était un grand fan de saxophone. Après, quand je dis classique, ça englobe aussi musique contemporaine et concrète, où le saxophone est mieux considéré. Le jazz était, pour moi, un excellent complément à ces études.

Qu’est-ce qui vient te chercher dans cette musique ?
Je ne suis pas certaine d’y être tout à fait encore. Le jazz est au final une musique multiple, comme peut l’être le métal que j’écoutais beaucoup, avec énormément de sous-genres, de sous-catégories. Je vois ma musique plutôt comme un espace de liberté où la part de l’improvisation est très grande, sans réellement savoir si ce que je joue, c’est du jazz.

Ce serait quoi le son idéal pour Léa Cuny-Bret ?
Cet instrument est hyper riche dans ses textures et harmoniques. J’avais envie d’aller explorer ce qu’on essaie de gommer, quand on joue du classique ou un certain jazz, où on veut un son propre et pur. J’avais envie de l’inverse, faire entendre le bruit des clefs, le souffle, voire l’exagérer pour developper une musique organique. Ensuite, il y a tout l’aspect amplifié, qui procure d’immenses pistes possibles.

Tu joues free et de l’alto. Alto + Free jazz = Ornette ?
Carrément. Quand j’ai écouté The Shape Of Jazz To Come, considéré comme un des premiers disques de free jazz, j’ai entendu la force d’une liberté qui redéfinit les canons de sa musique. C’est fascinant. Le free jazz fait partie de ce qui m’inspire.

Tu as également écrit sur le blackjazz norvégien. Comment ça arrive une chose pareille ?
À cette époque, j’avais un groupe de métal. Étant saxophoniste, j’avais du mal à trouver une place dans cette musique extrêmement riche, avec beaucoup de guitare électrique et de saturation. Puis je découvre Shining, un groupe norvégien dont le leader est avant tout saxophoniste. Un peu au même titre qu’Ornette pose les canons du free, Shining pose les canons du blackjazz.

Et ça tient vraiment le mélange ?
Le saxophone amène le free et vient percuter les guitares électriques, et le black metal apporte une puissance sonique qui fait vibrer les corps. C’est un peu vite résumé, mes recherches qui ont été publiées chez L’Harmattan, détaille ceci bien mieux.

Comment ses études agissent-elles sur ta musique ?
La grande révélation a été qu’au-delà de l’apprentissage des standards et des grilles d’accords, j’ai rencontré dans cette famille du jazz, les musiques libres et improvisées, et compris qu’on pouvait improviser à 20 ou 30 juste en se regardant dans les yeux.

La France est-elle prêt pour le Blackjazz ?
Oui, je pense, et il y a déjà une scène française du black metal, mais je crois que ça tient quand même au climat. Il faut que ce soit froid et austère pour avoir envie d’aller chercher de ces sensations.